Robert Bob Moog - «Nunca me ha preocupado que los sintetizadores reemplacen a los músicos. Y es que ante todo, tienes que ser músico para hacer música con un sintetizador.»




   De manera fortuita he encontrado a la venta en las redes un aparato de música que me ha traído viejos recuerdos. Se trata del tocadiscos Dual Bettor que aparece en la foto. Fue mi primer tocadiscos y con él inicié mi modesta colección vinílica pero el avance tecnológico mutó los soportes sonoros hasta la época actual. Al mismo tiempo, la imagen del Bettor me ha llevado a recordar los seis primeros discos que compré para este equipo por unas pocas pesetas y que guardo en mi memoria a pesar del tiempo transcurrido (desde el 74-75). Será por aquello de que uno siempre recuerda la "primera vez". De igual forma he buscado, y encontrado, las carátulas exactas de aquellos vinilos pues ya no conservo ninguno. 

  Buenos y nostálgicos recuerdos.

 
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Schubert, Trio op. 100 - Andante con moto


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El cóndor pasa



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Suspicious Minds


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Rain



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El enamorado y la muerte




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Más que nada







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Bob Hope - «Cecil B. de Mille está rodando "Los diez mandamientos", pero tiene un pequeño problema con la censura: de los diez, hay dos que no le dejan filmar.»




  Vamos con la censura musical en mis años mozos. No me referiré a la censura musical por razones políticas dado que es una cuestión, además de resbaladiza, bastante aburrida por lo manida. Bien es cierto que si a los españoles nos quitan la posibilidad de discusión sobre política o fútbol ¿qué nos queda? Es evidente, el sexo.

  La verdad sea dicha es que no nos enterábamos demasiado de las letras subidas de tono que pudieran publicarse. Nuestro nivel de inglés era el que era, o sea, cero. Además hay que reconocer que muchas canciones censuradas luego fueron lanzadas sin el menor escándalo. Vamos, que ni nos enteramos que fueron censuradas previamente. Por ejemplo el bolero Bésame mucho castigada en 1963 por pecaminosa (¿?).

  Sin ánimo de dramatizar, en España, todo atisbo o referencia en las letras a la drogadicción, lujuria y rebeldía era «modulado» por la sabias manos del censor de turno. Letras poéticas o misteriosas, llevaban al censor a imaginar blasfemias o referencias a la homosexualidad, la prostitución, etc. Veían sombras pecaminosas donde seguramente solo había algún eco del hipismo o una torpe expresión juvenil.

  Como anécdota introductora incluyo en la imagen de esta publicación la carátula del disco de Leonard Cohen, New Skin for the Old Ceremony. Si visionamos con detenimiento la portada de la izquierda creo que hubiera encajado perfectamente en cualquier museo diocesano.
 
     Pues bien, la portada de la derecha (publicada en España) incorpora una nueva ala que oculta la impudorosa mano del ángel en la entrepierna.

  Realmente resulta enternecedor tamaño empeño en proteger nuestras almas del malvado Leonard Cohen….

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Ponte de rodillas

 Empezaremos con Los Canarios. Extraordinario conjunto musical (ahora creo que se les llama «bandas»¿?). Tuvieron sus encontronazos con la censura aunque cantaran en inglés. Sus letras eran «tendenciosas», sentenció el censor encargado de escrutar el elepé Libérate! Pero curiosamente, ya en 1968 se manifestaba la capacidad manipuladora de su líder Teddy Bautista como encantador de serpientes (por algo fue «de mayor» presidente del Consejo de Dirección de la Sociedad General de Autores y Editores SGAE entre 1995 y 2011). 

  Enfrentado a la posibilidad de que prohibieran lo que se convertiría en su máximo momento de gloria, Get on your knees (Ponte de rodillas), Teddy logró desviar la atención de los censores porque, no hay que ser un lince, la letra sugería una felación. Dijo que lo que pretendía era «bajarle los humos» a una altiva británica a la que había conocido en Ibiza y que despreciaba todo lo español. 

  ¡Así se coló Get on your knees

  Vamos, un auténtico alarde de patriotismo genital. La Pérfida Albión nuevamente derrotada.




Los Canarios
Get on your knees (Ponte de rodillas)
1968


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Je t'aime... moi non plus

  Pero la censura cometió pifias enormes. Quizás la más clamorosa fue dar el beneplácito a Je t'aime... moi non plus, de Serge Gainsbourg y Jane Birkin. Es una canción que en aquella época nos dejó alucinados a los mozalbetes. Circulan diferentes versiones sobre las causas que motivaron ese tremendo despiste. Quizá hubo picardía de la discográfica al presentar el tema como ¡¡instrumental!! y eliminar el desnudo en la portada que tenía la edición inglesa. 

  Otra explicación es que los señores censores muchas veces no escuchaban los discos en cuestión, realizando su labor a partir de transcripciones de las letras proporcionados por las editoras. Y, claro, en la traducción no se consignan jadeos ni gemidos. Total, que coló. 

  No estoy seguro pero me da que algún ministro fue cesado con motivo de este escarnio. No olvidemos que estábamos en 1968. 

  Es que hay que ser un poco borrico como para leer la siguiente estrofa y no darse cuenta de nada:

Como la ola sin resolver

Voy, voy y vengo

Entre tus caderas

Voy y vengo

Entre tus caderas

Y me estoy reteniendo




Serge Gainsbourg y Jane Birkin
 Je t'aime... moi non plus
1968


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Good Vibrations


  Nunca jamás hubiera imaginado que una canción de The Beach Boys fuese a estar prohibida por pecaminosa. Pues eso pasó con su gran éxito Good Vibrations. Esta canción compuesta e interpretada por The Beach Boys fue censurada en 1971. El tema fue calificado por la censura como «de sentido totalmente erótico, en el que se subliman las excitaciones sexuales». Y no contentos, siguieron argumentando: «esta letra pertenece a los ambientes de los grupo USA drogadictos del lumpen: los HIP cuya filosofía está basada en el sexo»

  Las «vibraciones» de este grupo californiano fueron interpretadas como orgasmos en una lectura retorcida, cuestión esta, que muchas veces conducía a errores clamorosos a los censores.



The Beach Boys
Good Vibrations
1971


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La balada de John y Yoko

  La balada de John y Yoko fue prohibida en la BBC debido a que en uno de los párrafos, Lennon cantaba «Cristo, tú sabes que esto no es fácil», refiriéndose a su relación con Yoko. En España, sin embargo, se prohibió su difusión por cuestiones más domésticas: la censura consideró inapropiada la frase «puedes casarte en Gibraltar, cerca de España».

  Como si hubiéramos podido entender todo eso en inglés...



The Ballad Of John And Yoko





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American pie

   El sello Hispavox sufrió una de las más humillantes intervenciones de la censura. La distribuidora poseía los derechos para España de uno de los éxitos más contagiosos de 1972, American pie, de Don McLean. Se trataba de una parábola sobre la evolución del rock, pivotando sobre el accidente de avión que en 1959 acabó con las vidas de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper.

  En dicho tema, McLean denominó a los fallecidos «el Padre, el Hijo y el Espíritu Santo». La Dirección General de Cultura Popular se negó a bendecir semejante irreverencia y se llegó a una solución de compromiso: editarlo con un pitido que tapaba las palabras «ofensivas».



Don McLean
American pie (fragmento censurado)
1972




  Respecto a esta tragedia ya publiqué en una entrada anterior todos los pormenores de aquel fatídico día en que «murió la música». Ver Acceso






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Carlos Núñez - «La flauta fue mi primer amor platónico. Pero la gaita, para que suene bien, hay que soplar mucho... hay que sufrir.»




  Para localizar el origen de la música celta tenemos que referirnos a las seis naciones celtas por antonomasia: Irlanda y Escocia constituyen las regiones con más arraigo de la cultura celta. A estos territorios cabe sumar la Isla de Man, Gales, Cornualles (los tres en Gran Bretaña) y la Bretaña francesa. Estudios más amplios incluyen también zonas como Galicia o el norte portugués.

  Mi acercamiento y admiración a la música celta se produjo a una edad muy temprana. O al menos era temprana desde mi visión actual. A eso de los diecisiete años me propusieron asistir a un concierto del grupo Gwendal. Teniendo en cuenta que yo a esta gente no los conocía de nada (de hecho se crearon en 1972) y que la entrada costaba la brutal cantidad, para mí, de 25 pts o lo que es lo mismo, 15 céntimos de euro (¡¡¡!!!) pues me costó decidirme. Hay que tener en cuenta que en aquella época una caña de cerveza me costaba 7 pts (4 céntimos de euro) y si me pedía un corto, por ahorrar, 3,5 pts (2 céntimos de euro). La cuestión es que al final me convencieron y fue una de esas (pocas) decisiones acertadas que uno toma a lo largo de su vida cultural.

  Gwendal es un grupo hoy día muy conocido pero allá por el año 1973 lo veíamos cuatro gatos despistados en el “El Johnny”, Colegio Mayor Universitario San Juan Evangelista que era un auténtico foco cultural universitario de toda esa música minoritaria. Y efectivamente, desde aquel recital al que acudí me convertí en seguidor fiel de toda la música celta en general.

  Por tanto, aquí mi homenaje y mi recuerdo a Gwendal con un breve recorte de dos minutos en su recital de 1980 en el Teatro Alcalá de Madrid al que tuve la suerte de poder asistir:



GWENDAL - Teatro Alcalá, Madrid, 1980




  Referiré ahora a Alan Stivell. Vi su recital en el teatro Alcalá Palace en 1979. Stivell tocaba el arpa, la bombarda, la flauta y, cosa importante, la gaita. Formaría un conjunto musical incorporando estos instrumentos con el que consiguió a los veintidós años varios premios de música bretona. Al tiempo cursaba estudios de cultura inglesa y céltica. Además, Stivell poseía una ideología que él llamaba socialista pero que, en realidad, tenía más bien rasgos anarquistas, y eso le convirtió, muy a su pesar, en un líder mítico. Alan Stivell demostró no sólo la validez de una tradición musical, la celta, sino algo mucho más importante: la posibilidad cierta de llegar a las raíces estético-culturales de diferentes pueblos, moldear sus elementos más valiosos y a través de su fusión inteligente con otras formas, que ya nos son propias (rock, jazz), crear algo nuevo accesible y sentido por la gente de a pie.



ALAN STIVELL - Suite Irlandaise  The King of the fairies, 1972




Pentangle, otro de mis favoritos. Una fusión del folk celta con rock. Tenía, si no toda, mucha de su discografía. Nunca los vi en directo.



PENTANGLE - Willy O Winsbury, 1972




 Carlos Núñez. Obligada referencia al hablar del mundo/cultura celta. En multitud de ocasiones he tenido la suerte de disfrutarlo en directo. Y si hablamos de cultura celta estamos hablando de fusión. Y qué mejor fusión que escuchar el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo en la gaita mágica de Carlos Núñez.



CARLOS NÚÑEZ - Concierto de Aranjuez





  Y, en definitiva, estos son mis primeros referentes en cuanto a aquella música celta de la juventud que no distaba tanto de toda la música que escuchábamos en los canales normales dado que la influencia celta aparece en casi todo tipo de música, incluyendo jazz, rock...

Nuestro Pequeño Mundo - M.T.A. «¡Y ayuda a Charlie a bajar de ese tren!»





  Sin ningún género de dudas, mi grupo preferido dentro del folk.

  Tres factores van a converger para que Nuestro Pequeño Mundo, creado en 1968, se convirtiera en el principal grupo de folk nacido en España hasta su desaparición en 1982:

  Por un lado, Ángel Álvarez desde sus programas radiofónicos Vuelo 605 (ver entrada en el Blog)  y Caravana promueve el «folk song» norteamericano y monta pequeños conciertos en el auditorio de la emisora La Voz de Madrid.

  De otra parte, Joaquín Díaz (ver) recoge canciones por los pueblos castellanos magnetofón en ristre y actúa regularmente en la universidad madrileña.

  Finalmente, dicha universidad es un mundo abierto a cualquier innovación artística que roce lo social o lo popular, venga de donde venga, Los discos de Pete Seeger, Joan Baez, Brothers Four, Bob Dylan, etc. son platos habituales en las veladas estudiantiles, y los escuchábamos con devoción casi religiosa.

  Las dos voces cristalinas de las chicas del grupo  (Pilar Alonso y Laura Muñoz) hubiesen sido archifamosas en un país con una mediana sensibilidad musical. Por supuesto, en España, eran absolutamente desconocidas para el ¿gran? público.



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Sinner Man


  Sinner Man es un antiguo espiritual negro, de carácter apocalíptico, cuya función era la de inducir a los pecadores el arrepentimiento de sus pecados. Como toda canción tradicional o popular, la letra ha ido variando a través de las generaciones y de los lugares, y, a raíz de su popularización tuvo múltiples versiones. La primera grabación conocida es la de Les Baxter en 1956, quien dio la estructura más conocida a la letra de la canción. 





Versión extraordinaria es la de Nina Simon 1965 (ver).



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Me casó mi madre


  Bella canción del folklore castellano, que habla sobre aquella vieja costumbre del casamiento por conveniencia que tanto se practicaba en el medio rural y también entre la burguesía y la aristocracia, fuera rural o urbana: es decir, caciques o burgueses. Una de las expresiones más duras se puede encontrar en el teatro de Lorca, Bodas de sangre, en la que la madre le dice a otro hombre algo así como: «Casemos a tu hija y a mi hijo para que tengan muchos brazos para arar la tierra». Realmente, ¿hablan de personas o de mulas?

 La canción, como todas las canciones del folklore, tiene multitud de versiones y variantes.






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Andando


Andando por la cañada que lleva a la eternidad
¡Dios, que largo es el camino por andar!

No se divisa la puerta que la guadaña abrirá.
Cuando se abren tus ojos, no puedes volver atrás.

Hay piedras en el camino hiriendo descalzos pies.
¡Dios, hay quien termina pronto y quien termina después.

El trueno ruge, y luz llueve, los crueles claman piedad.
Los cerdos gruñen a coro, la siega va a terminar.






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M.T.A.


  Esta canción es un himno de «la izquierda» de Boston que se popularizó en la campaña en las elecciones a alcalde e 1949 de Walter A. O'Brien , del Partido Progresista.

  En 1959 The Kingston Trio lanza su álbum At Large. Incluye M.T.A. La canción había sido escrita en 1949, por Jacqueline Steiner y Bess Lomax Hawes, para el candidato a la alcaldía Walter O'Brien, cuyo tema central era la introducción de una «tarifa de salida» en el metro de Boston. (En 1953, Nueva York aumentó su tarifa del metro de 10 a 15 centavos y solucionó el problema de necesitar 2 monedas para la ranura del torniquete al introducir la ficha del metro).

  Pero para los españoles de mi edad esta  versión de NPM es la «original» , y no la del Kingston Trio (ver). La letra nos daba lo mismo, no entendíamos nada de todas formas, pero nos sonaba bien. Incluso la cantábamos, sin tener ni idea de lo que decíamos...

  Bueno, Pete Seeger nos gusta igual aunque pronuncie mal la letra de Guantanamera... Y no digamos Joan Baez, que a pesar de su nombre y su aspecto, pasan los años y cada vez habla peor el castellano.






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Drunken Sailor


  Drunken Sailor, también conocida como What Shall We Do with the Drunken Sailor? es una canción marinera de trabajo (sea shanty), usada para acompañar y sincronizar la ejecución de algunas tareas a bordo de los grandes barcos de vela, especialmente las que requerían un ritmo vivo y debían ser realizadas por un equipo numeroso de tripulantes. 

   Aunque no se conoce autor ni lugar exacto, se cree que tiene su origen a principios del s. XIX, o poco antes, en los buques que hacían la ruta entre Norteamérica y las islas Británicas.






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Los campanilleros


  Los campanilleros, un cante de larga y antigua proyección popular estuvo asociado a unos hombres, campesinos en su mayoría, que iban tocando unas campanillas con cuyo sonido recordaban a sus vecinos de cada pueblo que debían sumarse en procesión a la Misa del Alba para el rezo del Santo Rosario.

  Ello sucedía a finales del siglo XVII y el XVIII, muy en concreto en comarcas andaluzas, extremeñas y del sur de Castilla La Mancha. Unos coros y acompañamiento de guitarras ponían un fondo de música popular a las canciones que iban desgranando cuantos fieles acudían a esa cita religiosa. El eco de los sonidos de las campanillas o cascabeles procedentes de las caballerías resonaba camino de la iglesia de aquellos Rosarios de la Aurora.

  Las canciones de entonces fueron ya en el siglo XX más concretamente en sus letras dedicadas a la venida del Hijo de Dios.

  Se cree que el primer «cantaor» que popularizó Los campanilleros fue Manuel Torre, un «cantaor» legendario nacido en Jerez, nacido en 1878, fallecido en 1933, quién en 1929 grabó así su creación.

  Unos años más tarde, el villancico fue popularizado por La Niña de la Puebla aunque con otra letra. Después, se le han adoptado mil letras nuevas. Se han hecho muchas versiones de este legendario villancico aunque no es fácil de cantar…

  En este video podemos disfrutar a la par de NPM y La Niña de la Puebla.







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I Never Will Marry


  La pequeña canción que comparto, llamada Will Never Marry, refleja en su letra la particular concepción del hombre. Es honesta, hiriente, verdadera y también es una canción de despedida (que me deja maravillado y emocionado cada vez que la escucho)..

I Never Will Marry es una canción tradicional que ha sido interpretada por muchos artistas, desde Pete Seeger y la Familia Carter hasta Linda Ronstadt y Kristin Hersh. Hay dos versiones diferentes de la canción, en la primera se habla de una mujer con el corazón destrozado que acaba suicidándose y el narrador jurándole matrimonio después de presenciar su muerte. La otra versión es narrada por una mujer afligida que, en lugar de suicidarse, se niega a ser la novia de cualquier hombre.







Adjunto también la extraordinaria versión de Linda Ronstadt & Johnny Cash (ver).




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Isaac Newton - «Si he llegado a ver más lejos que otros es porque me subí a hombros de gigantes..»









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Annie´s song / John Denver


  Annie´s song supo integrar el canto a la naturaleza en una bella canción de amor, dedicada a su mujer Ann. Era julio de 1973. El mismo John Denver lo contaba así: «Fue escrita después de que hubiéramos pasado por un momento particularmente difícil y nos habíamos unido de nuevo, en muchos sentidos más cerca que nunca.»

  Cuando Milt Okun, el productor, escuchó la primera versión de la canción le dijo a Denver que se parecía al segundo movimiento de la Quinta Sinfonía de Tchaikovski, en concreto al solo de trompa.

  La canción se hizo habitual en las bodas. Pero como la imbecilidad humana surge cuando menos te lo esperas hubo una campaña en contra de la canción por parte de fanáticos  que veían contenido sexual implícito en la última línea de la estrofa: «You fill up my senses, come fill me again», «Tú llenas mis sentidos, ven y lléname otra vez». Y es que hay que tener los oídos sucios; si lo hubiera cantado una mujer, todavía. Pero ni aún así. Annie´s song es una canción de amor, de un amor recuperado, que empieza de nuevo.



John Denver - Annie´s song 


Tchaikovski Segundo movimiento de la Quinta Sinfonía 



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Rain and tears / Aphrodite's Child. 



Rain and tears (1968) tema escrito por Vangelis (autor de la música) y Boris Bergman (autor del texto), es una adaptación del Canon y giga en re mayor de Johann Pachelbel para tres violines y bajo continuo, compuesto a finales del siglo XVII. El tema alcanzó los primeros lugares de las listas del mundo entero. Posteriormente la canción también fue grabada en solitario por la voz de la banda, Demis Roussos. Es una canción de amor: el protagonista vive su historia de amor en medio de mil incertidumbres y espera que llegue la lluvia para poder ocultar sus lágrimas.

 El Canon de Johann Pachelbel lo escuchamos  edulcorado de forma patética como lugar común en prácticamente cualquier boda, enlace nupcial o ceremonia pomposa a las que nos obligan a acudir pero también en películas que incluyan una boda. Honrosa excepción: José Luis Garci para recorrer Gijón en Volver a empezar.



Aphrodite's Child Rain and tears


Johann Pachelbel Canon y giga en re mayor 



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A whiter shade of pale / Procol Harum


  A whiter shade of pale, publicada en 1967 por Procol Harum, es uno de los himnos del pop que perduran sesenta años después. Está inspirada claramente en la música de Johann Sebastian Bach. El ritmo y la armonía recuerdan sin duda al Aria para la cuerda de sol, una de las melodías más conocidas del músico alemán que, en realidad es un arreglo realizado en el siglo XIX de la Suite orquestal en re mayor nº 3.

  A whiter shade of pale (Con su blanca palidez) ocupa el puesto número 57 entre las mejores canciones de la historia según la revista Rolling Stone, y su letra nació como homenaje a una frase que escuchó el letrista de la banda, Keith Reid, en una fiesta. Alguien se acercó a una chica y le dijo algo así como «se te ha puesto un tono más blanco que el propio color pálido». Blanca y radiante debía de estar la muchacha, para que le dedicaran tal canción, la que consagró al grupo británico y les hizo vender más de 10 millones de copias en todo el mundo. A whiter shade of pale es, de hecho, uno de los singles más vendidos del siglo XX.

  A whiter shade of pale también tiene una letra inquietante y no del todo clara. Hay quien ha querido ver aviesas intenciones en sus versos. Sin duda pertenece a las corrientes del pop barroco y rock sinfónico. Parece ser, pese a todo, que no esperaban tanto de esta canción en el momento de grabarla, reconoció Keith Reid.

  Según dicen, Procol Harum era el nombre del gato de Keith Reid. Curiosa manera de pasar a la posteridad.




Procol Harum - A whiter shade of pale



Johann Sebastian Bach - Suite No. 3 In D Major, BWV 1068
Película "Seven"




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Aranjuez, mon amour / Richard Anthony


  Richard Anthony, cantante francés nacido en 1938 en El Cairo (Egipto), “descubrió” a los españoles que existía El Concierto de Aranjuez del Maestro Rodrigo. La belleza en estado puro. En 1967 graba un tema con el nombre de Aranjuez, mon amour y, rápidamente, fue éxito en todo el mundo. Llegó a más de ocho millones de ejemplares vendidos en apenas unos meses.

  La paradoja es que, con la canción, el ‘francés’ nos descubrió el segundo movimiento del Concierto de Aranjuez, una obra del músico español Joaquín Rodrigo sobre una ciudad también española de Aranjuez.

  Aranjuez, mon amour es el adagio de ese Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo al que le puso letra Guy Bontempelli.

  La prestigiosa revista de música clásica Gramophone considera el Concierto de Aranjuez una de las obras más populares de todos los tiempos. Esto se debe a la belleza de este segundo movimiento, Adagio, adaptado a casi todos los instrumentos, incluyendo armónica, violín, piano y sintetizador; y a muy distintos estilos, como las versiones en jazz que hicieron Miles Davis, por un lado, y Chick Corea por otro.





Richard Anthony - Aranjuez, mon amour




Narciso Yepes - Concierto de Aranjuez



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La Mandrágora - Javier Krahe «El humor, o la ironía, no es un arma: es un escudo.»

 





 Año 1981. Se edita La Mandrágora, primer álbum de Joaquín Sabina, Javier Krahe y Alberto Pérez. En aquella época los tres cantautores actuaban juntos en el sótano del bar madrileño del mismo nombre, situado en la Cava Baja del barrio de La Latina en Madrid. 

  Apenas una grabación en vivo da cuenta de la importancia, noche tras noche, de las actuaciones acústicas e iconoclastas de estos tres artistas. La España de los primeros ochenta pedía a gritos una salida estética para los progres. Aquel barco, capitaneado por el carisma de Krahe, ofrecía la jubilación de los llamados cantautores protesta, que poco antes habían llenado pabellones al servicio de los primeros políticos zurdos de nuestra democracia.

  ¿Quién le iba a decir a Joaquín Sabina que sus comienzos como cantautor, junto a Javier Krahe, harían historia como la han hecho, en el Café La Mandrágora

  Nada que ver con la llamada movida madrileña, que protagonizaba gente mucho más joven, adscritos al pop 'nuevaolero'. Café La Mandrágora sólo hubo uno pero si se hizo conocido y popular  fue merced a Fernando Tola, periodista en cuyo plató televisivo el trío cayó semanalmente de pie. Esta noche, se llamaba su programa. Comenzaron a lloverles las galas fuera de La Mandrágora.



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1980 - Sabina - El hombre puso nombre a los animales

    El cantautor Bob Dylan publicó en 1979 el primer álbum de su trilogía cristiana, Slow train coming. La octava canción del disco era Man gave names to all the animals, y Joaquín Sabina la versionó en 1980.

  El tema del cantautor jienense se titulaba El hombre puso nombre a los animales, y el estribillo rezaba así: «El hombre puso nombre a los animales, con su bikini, ¡qué mogollón!». A los oídos de Dylan llegó la versión de Sabina, y no le agradó en demasía. Aunque el hecho nunca llegó a ser oficial, se comentó que el cantautor de Duluth (Minnesota, EEUU) prohibió al de Úbeda que volviera a interpretar ese cover .

 Sabina afirmó sentirse traicionado cuando Dylan comenzó su etapa musical religiosa.









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 Alberto Pérez, «el otro» de La Mandrágora: «Sabina y Krahe no disfrutaban viendo a la gente aplaudirme».

 Era el «verdadero músico» de los tres cantautores que despuntaron juntos en el minúsculo escenario de la Cava Baja de Madrid a principios de los 80. Pese a desarrollar muchas facetas dentro del «show business», Pérez asegura que siempre huyó de la fama. Muchos pensaban que los tres eran buenos amigos. Al principio sí. pero luego la cosa cambió. La ambición es muy dañina.

  Tras la publicación del disco, el terceto se desquebrajó a los pocos meses. Pérez emprendió su aventura en solitario batallando en distintos frentes. Sacó un par de discos, fue colaborador televisivo, presentador radiofónico de Corazón loco, un programa musical de Radio 3... Incluso llegó a fundar su propia orquesta, «para un músico de carrera, el no va más». Ofertas sobre la mesa no faltaron para volver a reunir a los tres cantautores, «pero a ninguno nos hizo gracia la idea».



Alberto Pérez - Nos ocupamos del mar






Alberto Pérez - Yo te diré








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 En el álbum, Javier Krahe exponía su admiración por el cantautor francés Georges Brassens interpretando versiones de sus canciones (Marieta o La tormenta) y reflejando su estilo en composiciones propias que luego se convertirían en clásicos (La hoguera, Un burdo rumor o El cromosoma). Joaquín Sabina era prácticamente un desconocido en aquella época

 Allí, en La Mandrágora, jueves a jueves, frente a no más de cuarenta personas apretadas, Krahe acabó soltándose el pelo como cantante-contante, haciendo de la necesidad virtud y espectáculo de varietés, no pocas veces con dos valiums en el cuerpo para relajarse... Se rió, y mucho, de sus propias limitaciones como músico y vocalista, Krahe, eso sí, con el bolerista Alberto Pérez al quite, sobre el mismo escenario, dispuesto a mejorar vocalmente las composiciones matemáticamente perfectas que comenzaba a escribir. La Mandrágora heredaba, pues, el espíritu del cabaret Montmartre, como lugar de encuentro para agitadores gráficos, artistas y gacetilleros como Forges, Cebrián, Fernando Tola, Luis Carandell, el también del desaparecido Moncho Alpuente. Krahe interpretaba en tanto sus dos compañeros de fatigas le hacían voces, ecos y chacotas alrededor. Luego era él quien incordiaba a Sabina o a Alberto Pérez simulando con la boca el sonido del saxo o vía chunda-chunda, bajo los focos.




Javier Krahe - Un burdo rumor

No sé tus escalas por lo tanto eres muy dueña

de ir por ahí diciendo que la tengo muy pequeña,

no está su tamaño en honor a la verdad,

fuera de la ley de la relatividad.


 




Javier Krahe - La Hoguera

Es un asunto muy delicado,
el de la pena capital,
porque además del condenado
juega el gusto de cada cual:
Empalamiento, lapidamiento, inyección
crucifixión, desuello, descuartizamiento...
Todas son dignas de admiración
Pero dejadme, ¡ay!
que yo prefiera...
La hoguera, la hoguera, la hoguera







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1980 - Sabina - Telespañolito

 Antonio Machado se lamentaba por un país en guerra escribiendo aquello de «Españolito que vienes al mundo, te guarde Dios, una de las dos Españas ha de helarte el corazón». Sabina, que en más de un caso a lo largo de su extensa carrera se ha dado al dramatismo, tomaba del poeta los versos y los convertía junto a Javier Krahe en el estribillo remozado que resonaba con «telespañolito que ves la tele, te guarde Dios, uno de los dos canales ha de helarte el corazón». Estamos en los 80, aquella década que ahora se mira con nostalgia cuando nos tenemos que enfrentar a la caja tonta.




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Edith Piaf - «Me gustaría oír a alguna persona, al menos una, que sea capaz de admitir haber sido un cobarde»







  «Un hombre no debería cantar cosas así», comentó la gran Edith Piaf cuando en 1959 escuchó interpretar por primera vez a Jacques Brel Ne me quitte pas.

  Dicho esto, no se puede añadir nada más sobre una de las más bellas canciones jamás creada. 




Jacques Brel - Ne me quitte pas




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     Una vez escuchado el tema de Jacques Brel es difícil mantener el nivel y la tensión de la enorme calidad del compositor belga. Pero ahora veremos a un cantante que a mi me gustó/gusta mucho. Creo que Charles Aznavour ha sido uno de los grandes intérpretes que ha dado Francia. Actuaba mucho en España y hay multitud de grabaciones en nuestro idioma. Oigamos uno de sus temas estrella magistralmente interpretado:






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     Georges Moustaki. Otro clasicazo. Tuvo enormes éxitos. Sobre todo Le Métèque (1969). Pero la canción que publico es Ma liberté. Para mi es una canción que, una vez leí la letra (no traduje por mi ignorancia del francés), se convirtió en mi preferida de este autor. Como con Brel (recomiendo leer los subtítulos):


Mi libertad
Tú que me hiciste querer hasta la soledad
Tú que me hiciste sonreír
Tú que me protegiste cuando iba a esconderme
Mi libertad
Sin embargo te dejé una noche de diciembre
Dejé los caminos apartados
que seguíamos juntos
Atado de pies y manos
Me dejé hacer.
Y te traicioné por una prisión de amor
y su bella carcelera.



1970 - Georges Moustaki - Ma liberté




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     Y veremos a Gilbert Bécaud.  Partamos de la base de que Gilbert Bécaud estaba encantado de conocerse. Sobreactuaba en el mismo momento que pisaba cualquier escenario. Pero...  Et maintenant. Una de las joyas de la música francesa. Por cierto, he leído una anécdota curiosa: Gilbert aparecía en escena siempre con el mismo piano, que poseía una particularidad, estaba ligeramente inclinado. Así estaba siempre dispuesto a observar la sala.




1962 - Gilbert Bécaud - Et maintenant




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     Despidamos esta publicación de música francesa con Édith Piaf. ¿Con quién si no? En la grabación no veremos a la gran Edith Piaf. Es de 1962, un año antes de morir. Pero es digna de cerrar cualquier referencia que se haga a la música francesa de cualquier época. 

Su vida tormentosa quedó fielmente reflejada en la película La vida en rosa (2007, Olivier Dahan). 

Veámosla en su tema quizás más carismático Non, Je Ne Regrette Rien.

   
No, nada de nada, no, no me arrepiento de nada
ni el bien que me han hecho, ni el mal
todo eso me da lo mismo
No, nada de nada, no, no me arrepiento de nada
está pagado, barrido, olvidado, me da lo mismo el pasado

Con mis recuerdos yo prendí el fuego
mis tristezas, mis placeres
ya no tengo necesidad de ellos
barridos mis amores con sus temblores
barridos para siempre
vuelvo a partir de cero

No, nada de nada, no, me arrepiento de nada
ni el bien que me han hecho, ni el mal
todo eso me da lo mismo
No, nada de nada, no, no me arrepiento de nada
pues mi vida, pues mis alegrías
hoy comienzan contigo...



1962 Édith Piaf Non, Je Ne Regrette Rien




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Salud JC